Avance del diseño gráfico de los inicios del hombre formando una comunicación visual por medio a los avances de la tecnología y las ideologías que se presentan a lo largo de la historia
El
movimiento Arts and Crafts (literalmente, Artes y oficios) es un movimiento
artístico que surge en Inglaterra a finales del siglo XIX y se desarrolló en el
Reino Unido y Estados Unidos en los últimos años del siglo XIX y comienzos del
siglo XX Inspirada por la obra de John Ruskin, alcanzó su cenit entre 1880 y
1910.
El
Arts & Crafts se asocia sobre todo con la figura de William Morris,
artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta, activista político y, en fin,
hombre polifacético, que se ocupó de la recuperación de los artes y oficios
medievales, renegando de las nacientes formas de producción en masa.
Se
trató de un movimiento estético reformista que tuvo gran influencia en la
arquitectura, las artes decorativas y las artesanías británicas y
norteamericanas, e incluso en el diseño de jardines.
Principios
del Arts & Crafts
Entre
las ideas más características del Arts and Crafts se encuentran principios
filosóficos, éticos y políticos, tanto como estéticos. Destacamos los más
importantes:
·Rechazo de la separación entre el arte y la
artesanía. El diseño de los objetos útiles es considerado una necesidad
funcional y moral.
·Rechazo de los métodos industriales de
trabajo, que separan al trabajador de la obra que realiza, fragmentado sus
tareas.
·Propuesta de un regreso al medievalismo,
tanto en la arquitectura (con el neogótico) como en las artes aplicadas.
·Propuesta de la arquitectura como centro de
todas las actividades de diseño. Una idea que sería recogida por el racionalismo
de principios del siglo XX.
·Propuesta de agrupación de los artesanos en
guildas y talleres, siguiendo el modelo medieval de trabajo colectivo.
·Propuesta del trabajo bien hecho, bien
acabado y satisfactorio para el artista y para el cliente.
EL
CARTEL
Un
cartel, afiche o póster es una lámina de papel, cartón u otro material que
sirve para anunciar o dar información sobre algo.
En
distribución, los carteles se colocan tanto en tienda como en el escaparate (en
ocasiones, incluso, en el exterior) con el fin de anunciar precios de artículos
u ofertas en marcha. Los carteles también se utilizan para colocar el nombre de
departamentos y secciones con el fin de orientar a la clientela. En ambos
casos, suelen incluir el logotipo y los colores corporativos de la cadena de
distribución.
El
20 de febrero de 1909, el parisiense Figaro publicó el "Manifiesto del
futurismo", redactado por el poeta Emilio Filippo Tommaso Marinetti
(1876-1944). El entusiasmo que en él expresa Marinetti por la vida moderna, la
velocidad, la guerra y la revolución, iba dirigido contra el aherrojamiento en
el dominio del arte.
Con
aquel manifiesto, Marinetti se ganó la adhesión de cinco artistas: Umberto
Boccioni, Carlo Carra, Giacomo Baila, Gino Severini y Luigi Russolo. El 11 de
febrero de 1910, éstos publicaron el manifiesto de la pintura futurista. En él
se condenaban "todas las formas de la imitación, la armonía y el buen
gusto". El 11 de abril de 1910 apareció el "Manifiesto técnico de la
pintura futurista". Allí se exigía el "dinamismo universal, que la
pintura debe reproducir como sensación dinámica".
Aquellos
manifiestos amenazaban con 'autos de fe' a los museos y bibliotecas,
glorificando el poder de lo vital. Con la aparición en 1914 en Florencia de la
revista Lacerba, dirigida por Giovanni Papini, la tipografía participó también
en las disputas artísticas. Papini se solidarizó con el futurismo. Él mismo se
encargó de cambiar la concepción tipográfica, mostrando los primeros
experimentos de "tipografia in liberta". En 1914, Carlo Carrá publicó
las primeras "parole in liberta"; su diseño tipográfico acentuaba los
diferentes párrafos, la repartición de elementos y volúmenes resultaba en una
composición dinámica, sus collages y dibujos evocaban impresiones bélicas del
autor, incluía números, letras, palabras y frases completas, y el espacio se
sometía a un ritmo de gran plasticidad.
Ardengo
Soffici defendió en su escrito "BIF & ZF + 18 Simultaneita Chimismi
Lirici", publicado en Florencia en 1915, el "lirismo
tipográfico". Soffici empleaba las letras como formas vivas y autónomas.
La colocación diagonal de las mismas, el contraste de tamaños y la composición
de pequeñas figuras hechas con frases creaban una tipografía sumamente variada
y expresiva. Comparadas con las invenciones gráficas de Marinetti, cargadas de
emotividad y como explosivas en su irradiación multidireccional, las obras del
pintor, diseñador gráfico y poeta Fortunato Depero resultaban claras y
ordenadas a la vista.
Ellas
influyeron en la tipografía publicitaria italiana de los años 20 y 30, hasta
que el seudo-monumentalismo de los años anteriores a la II Guerra Mundial
sofocó todos los esfuerzos progresistas.
El
nombre de cubismo, nacido de la expresión injuriosa de un crítico, en 1909,
puede inducir a error. Si esta forma plástica se propusiera únicamente
retrotraer el mundo de los objetos a formas fundamentales estereométricas, sólo
sería una manía extravagante.
Es
evidente, en cambio, que surgió de la necesidad de comprender en forma
radicalmente nueva un mundo objetivo, sin prejuicios y a partir puramente de la
pintura. Así como el impresionismo había abandonado el concepto habitual de
realidad para refugiarse en la pura visibilidad de los fenómenos ópticos y
conservar solamente el color puro, también el cubismo libera a la pintura de
las consabidas imágenes fenoménicas de las cosas –precisamente porque éstas
sólo son sentidas en adelante como apariencia- y conserva únicamente los elementos
constructivos.
Responder
a la enigmática y sorprendente oposición física de los objetos, oponerle un
contra-objeto de pura construcción formal, hacer de la misma superficie pintada
un todo, un objeto, en lugar de reflejar una imagen aparencial: así podríamos
describir las intenciones que, hacia 1908, dieron vida al movimiento.
Lo
que importaba era mantener la superficie concreta, pero, al mismo tiempo,
conferirle corporeidad y espacialidad de una manera totalmente “metafórica”. En
un principio, los cubistas redujeron su escala cromática al mero uso de valores
quebrados, puesto que el elemento subjetivo y sensorial del color –emocional e
inasible- está en contradicción con el carácter de realidad que se busca
conferir al objeto de arte. La voluntad de objetivación, en ese sentido, es lo
que subrayan tanto Picasso como Braque.
Una vez concluída la “realización”,
nada debe quedar en el nuevo objeto de arte que recuerde a su modelo: su misión
no es expresar la “idea”, el motivo, que sirvió de inspiración al autor. Estos
factores subjetivos han de quedar cabalmente absorbidos por el toro que
simplemente es una cosa nueva, gradualmente hallada a través de la plasmación.
Como en Cézanne, este proceso se concibe como paralelo a la naturaleza, no como
copia de ella.
La
imprevisible repercusión del cubismo sobre los aspectos más diversos del arte
moderno sólo comenzó, en rigor, a partir del vuelco del cubismo analítico al
sintético, cosa que se produjo en 1913.
Juan
Gris, pintor español, describe exactamente la subversión que impuso el cubismo
sintético en la relación entre cuadro y objeto. El pintor parte ahora de
elementos abstractos abstractos para llegar a un objeto. Este se encuentra
solamente a través de configuración, y el pintor no lo conoce de antemano. Tal
proceso inaugura posibilidades totalmente inéditas de comunicación pictórica,
que Gris llama “poética” en contraposición con la prosa descriptiva que la
precedió.
El
cubismo propiamente dicho empieza con las experiencias de Picasso en 1907 en la
pintura Las señoritas de Avignon, así como el conjunto de dibujos, acuarelas y
óleos dedicados a temáticas relacionadas con la citada obra. La esquematización
de los personajes posee no pocos puntos en común con las tallas primitivas. A
lo largo de todo el siguiente año Picasso va adentrándose cada vez más en la
investigación que le llevará al cubismo analítico, modalidad en la que los
elementos plasmados en el cuadro se descomponen en diversas formas geométricas,
superponiéndose de tal modo que resulta imposible identificar de qué se trata.
En la primera etapa del cubismo prevalecen las temáticas de naturalezas
muertas, en las que instrumentos musicales, partituras, pipas, frutas,
fruteros, vasos, botellas, mesas y sillas se amalgaman y ofrecen aspectos absolutamente
nuevos e insólitos.
Picasso
y Braque, en no pocas ocasiones, trabajaron juntos y es de ahí, que a los dos
se les debe uno de los hallazgos más significativos del siglo XX: el collage.
En un primer momento se trató sólo de integrar papeles pegados a la superficie
del cuadro, pero, más tarde, utilizaron todo tipo de elementos, provenientes
del entorno cotidiano.
El
hecho de integrar materiales diferentes en el seno de composiciones cubistas
determinó, en parte, que tanto Picasso como Braque optaran por cambiar el
proceso analítico del cubismo inicial por otro de carácter sintético. Surgió
entonces la modalidad conocida como cubismo sintético, en la que las pinturas,
a pesar de presentar una composición claramente geométrica, permitían qu el
espectador percibiera con facilidad una forma global identificable.
Otro
artista que en 1911 se adscribió plenamente al cubismo fue Juan Gris, cuya obra
inicial posee algunos puntos de contacto con la de los iniciadores, pero que,
sin embargo, muy poco después desarrolla un lenguaje absolutamente propio.
Según
Guillaume Apollinaire, escritor cubista, “Cuatro tendencias se manifiestan hoy
en el cubismo tal como lo he diseccionado. De ellas, dos tendencias son
paralelas y puras.
El
«cubismo científico» es una de esas tendencias puras. Es el arte de pintar
conjuntos nuevos con elementos tomados no de la realidad visual, sino de la
realidad del conocimiento. Todo hombre posee el sentimiento de esta realidad
interior. No es necesario ser un hombre culto para concebir, por ejemplo, una
forma redonda. El aspecto geométrico que ha sorprendido tan vivamente a
aquellos que han visto los primeros lienzos científicos procedía del hecho de
que la realidad esencial fuese reproducida con una gran pureza y de que el
accidente visual y anecdótico hubiese sido eliminado.
Los pintores que
practican este arte son: Picasso, cuyo arte luminoso sigue perteneciendo a la
otra tendencia pura del cubismo, Georges Braque, Metzinger, Albert Gleizes,
Mlle. Laurencin y Juan Gris.
El
«cubismo físico» es el arte de pintar conjuntos nuevos con elementos tomados en
su mayor parte de la realidad visual. Sin embargo este arte se asemeja al
cubismo por la disciplina constructiva. Tiene un gran futuro como pintura
histórica. Su papel social está bien definido, pero no es un arte puro. El
pintor físico que ha creado esta tendencia es Le Fauconnier.
El
«cubismo órfico» es la otra gran tendencia de la pintura moderna. Es el arte de
pintar conjuntos nuevos con elementos no tomados de la realidad visual sino
enteramente creados por el artista y dotados por él de una poderosa realidad.
El
«cubismo instintivo», arte de pintar conjuntos nuevos no tomados de la realidad
visual, sino de aquella que sugieren al artista, el instinto y la intuición,
tienden desde hace tiempo al orfismo. Los artistas intuitivos carecen de
lucidez y de una creencia artística; el cubismo instintivo incluye a un gran
número de artistas. Nacido del impresionismo francés este movimiento se
extiende hoy por toda Europa...”
El término Impresionismo proviene de una obra de Claude Monet llamada Impresion. Por primera vez en la historia se empezaron a usar los contraste complementarios, y gracias a la fotografía y la inspiración de Hokusai, los encuadres inusuales. Los exponentes más importantes son Claude Monet, Jean Baptiste Camille Corot, Eugene Boudin, Johan Jungkind, Edouart Manet, Pierre-Auguste Renoir yEdgar Degas...
En los intentos por
describir esta nueva forma de representación plástica, se interpretó que estos
artistas eran impresionistas en el sentido en que no representaban un paisaje
sino que buscaban plasmar la sensación que éste producía. El impresionismo como
movimiento unificado, pertenece a la década de 1870. Luego, los artistas fueron
evolucionando y sus trayectorias fueron más individuales. Se considera que la
década del 60 fue un período de formación en donde los futuros impresionistas
fueron configurando sus ideas y desarrollando las bases de su técnica.
En
el Siglo XIX, se renovó y modernizó la ciudad de París; la población francesa
aumentó considerablemente y la Revolución Industrial hizo cambiar la vida
social, el comercio y el transporte. En cuanto a la ideología aparecieron
nuevas teorías sobre la razón y el utilitarismo. El arte en Francia era
expuesto en el Salon, con bases tradicionales del Academismo, la única forma de
recibir reconocimiento y remuneración a cambio de las obras artísticas.
Principalmente plasmaba escenas históricas, mitológicas o religiosas, con
colores ricos y sombras oscuras. Se componía a base del teatralismo, con un
enfoque central y pinceladas suaves y superficies acabadas.
Los
artistas del Impresionismo representaban la primera impresión de escenas
cotidianas y de la naturaleza, haciendo uso de colores luminosos, vibrantes y
yuxtapuestos sobre el lienzo, creando encuadres audaces y asimétricos. Lo más
característico es la pincelada rápida y espontánea, así como el estudio de la
luz y los reflejos en el agua.
El
diseño gráfico a finales del siglo XIX y principios del siglo XX
Después
de la segunda mitad del siglo XIX se ve influenciada por el impresionismo donde
el pintor Toulouse Loutec a través de sus carteles sobre la vida de París desarrolla
composiciones a partir de siluetas planas y bloques de color como las estampas
japonesas, pero organizadas en una composición dinámica. Sus cubiertas para programas
y sus litografías produjeron una
revolución en la técnica publicitaria. Fue el primero que concibió un
arte en la calle.
Dentro del diseño gráfico,
se deben rescatar los atributos que en un principio hicieron que el
impresionismo tuviera tal fuerza que algunos de sus embajadores como Vicent Van
Gogh influenciaron en detonar alguna corriente artistica a principios del año
2000 a más de 100 años de su existencia. Vicent Van Gogh, el artista detrás del
impresionismo mucho nos ha dejado como legado dentro del arte, su forma de ver
la belleza y la naturaleza es incomparable.
El estilo de este ilustre icono del arte ha sido
copiado pero jamás igualado. Tal es el caso de Stefan Duncan que ha sido
inspirada por Van Gogh utilizando técnicas modernas, ajustando colores y
capturando toda la divinidad de la corriente con pinceladas largas,
aprovechando los contrastes.
SQUIGGLISM que en su
traducción se refiere a un conjunto de curvas irregulares y el uso de
colores primarios. Stefan Duncan es la creadora de este estilo impresionista
que atrae las miradas de artistas
modernos, no solo pintores o escultores.
Como diseñadores gráficos debemos usar técnicas que
vayan más allá de lo tradicional y experimental. Debemos aventurarnos a las
grandes corrientes que sin duda han marcado un antes y un después dentro de las
artes. Tenemos la obligación de dar un estilo propio sin copiar las técnicas.
Como diseñador tendrás
herramientas que pueden surgir gracias a un buen cuadro de algún artista de
época.
Sin en cambio Vincent Van Gogh con sus grandes obras destacó:
Durante los siglos de la Edad Media,
junto con la invención del papel, los chinos dieron los primeros pasos en el
desarrollo de la imprenta. Buscaron un procedimiento que, en lugar de copiar
los escritos a mano, les permitiera obtener muchas reproducciones iguales de un
mismo original.
La solución fue labrar los caracteres
de una página en una plancha de madera, de manera que éstos sobresalientes.
Después entintaban la plancha y aplanaban sobre ella hojas de papel. Como ves,
es un sistema parecido a los sellos de hoy en día.
Siglos más tarde, cada signo se labraba
en un trozo separado de madera, que se combinaba con otros para formar
expresiones. El sistema era más rápido, aunque la enorme cantidad de caracteres
de la lengua china dificultaba las cosas. Los primeros libros, calendarios y
noticias se imprimieron con estos procedimientos.
Juan Gutenberg
No se tiene clara la fecha
de nacimiento del inventor alemán Johannes Gutenberg. Pero se ha determinado
que nació en Maguncia, pequeño poblado de Alemania, hacia el año 1400.
Proveniente de una familia noble, su verdadero nombre era Friele Gensfleisch.
Tampoco se tienen antecedentes concretos de su muerte estableciéndose que el
hecho ocurrió probablemente a fines de 1467 o a comienzos de 1468. Sin embargo, podemos atribuir a Gutenberg la
utilización de tipos móviles de metal no usados anteriormente, pero no se sabe
bien quien fue el primero en implementarlas. Investigadores aseguran que el
primero fue el holandés Laurens Janszoon.
Lo que se sabe con certeza es que
Gutenberg construyó, entre 1436 y 1450, un aparato que logró fundir
satisfactoriamente las letras metálicas que usó en sus primeros libros, con las
cuales imprimió su famosa Biblia en 1455. A modo de anécdota podemos contar que
debido a sus deudas, Gutenberg fue embargado y la imprenta que lo hizo famoso
quedó en mano de sus acreedores, quienes con la venta de la Biblia aumentaron
en cinco veces su inversión inicial.
Gutenberg en realidad
no inventó nada. Mucho tiempo antes que él, los chinos habían desarrollado las
técnicas de la impresión y de la fabricación de papel. Los orfebres ya sabían
fabricar buriles y los viñateros de Renania ya utilizaban prensas con tornillo
en sus vendimias. Pero todavía nadie había reunido estos distintos inventos. El
ingenio del impresor alemán lo llevó a desarrollar un artefacto mecánico
verdaderamente eficaz para la reproducción de los textos escritos. Así se puede
considerar como el verdadero padre del libro moderno.
Como soporte físico se
utilizó inicialmente la piedra, pero pronto se buscaron otros tipos de
materiales que permitieron una mayor facilidad de uso y una mayor potabilidad,
como los los pergaminos.
El pergamino se fabricaba
con las pieles de animales como el cordero, el ternero o el cabrito,
preferentemente los jóvenes pues así era de mejor calidad. Tras sumergir la
piel en una solución de cal para poder pelar y descarnarla, la tensaban en un
caballete, y con la ayuda de una piedra pómez eliminaban las impurezas,
puliendo la superficie de escritura. Fue tan alta la calidad del pergamino que
allí se producía que incluso el propio emperador Augusto lo hacía traer de allí
para sus documentos más importantes a pesar de que posteriormente se empezó a
producir en la propia capital del Imperio.
A partir del siglo IV se difunde la forma del libro
conocido como códice, compuestos de cuadernos de pergamino plegados, cosidos y
encuadernados. Los primeros se conocían como codex membranei haciendo
referencia a los talleres de Roma que se especializaron en la industria del
pergamino, los membranarii.
Las
primeras formas comunicativas fueron
elemento visuales por medio de su cuerpo para comunicarse con los demás;
estados de ánimo, deseos e inquietudes a través de ademanes, expresiones y
signos que con el tiempo adquirieron la condición de “lenguaje” al convertirse
de comunicación.
Fue el primero que concibió un arte en la calle. Se empieza con comunicaciones gráficas y da
origen a las pinturas rupestres del Paleolítico y en el nacimiento del lenguaje
escrito en el tercer milenio A.C.
La representación de ideas mediante grafos experimentó su mayor avance
con la aparición de los lenguajes
escritos, capaces de transmitir mensajes por la comunidad.
Para
saber más sobre las pinturas rupestres les comparto este documental:
El
diseño se define como un proceso o labor destinada a proyectar, coordinar,
seleccionar y organizar un conjunto de elementos para producir y crear objetos
visuales destinados a comunicar mensajes específicos a grupos determinados. El
conjunto de elementos que implican la creación de un diseño, se relacionan
como:
Traza,
delineación de un edificio o de una figura.
Descripción
de un objeto o cosa, hecho con las palabras.
Disposición
de manchas, colores o dibujos que caracterizan exteriormente a diversos
animales y plantas.
Proyecto
y plan, diseño urbanístico.
Concepción
original de un objeto u obra destinados a la producción en serie, dentro del
mundo de la moda, industrial.
La
Forma de cada uno de estos objetos.
El
diseño gráfico es una disciplina y profesión que tiene el fin de idear y
proyectar mensajes a través de la imagen.
Al
diseño gráfico se lo llama también "de la comunicación visual" y esto
es así puesto que entraña una íntima relación con la comunicación como ciencia
teórica y disciplina gráfica.
Se
entiende por diseño gráfico a la práctica de desarrollo y ejecución de mensajes
visuales que contemplan aspectos informativos, estilísticos, de identidad, de
persuasión, tecnológicos, productivos y de innovación.
El
Arts & Crafts se asocia sobre todo con la figura de William Morris,
artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta, activista político y, en fin,
hombre polifacético, que se ocupó de la recuperación de los artes y oficios
medievales, renegando de las nacientes formas de producción en masa.
Un
cartel, afiche o póster es una lámina de papel, cartón u otro material que
sirve para anunciar o dar información sobre algo.
